Ваш браузер устарел. Рекомендуем обновить его до последней версии.

Опубликовать в социальных сетях

Индекс цитирования.

ВИДЫ И ЖАНРЫ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА

(стр. 2)

 

С конца XIX века в Европе возродилась техника темперы (от лат.тemperare— смягчать, смешивать). Темперные краски разводятся водой, но после высыхания ею уже не растворяются. Связующие
вещества темперных красок — яичный белок и желток, казеин и другие вещества. Трудность работы темперой заключается в том, что краски нежелательно смешивать, их надо накладывать слой на слой так, чтобы нижний, просвечивая сквозь верхний, способствовал получению нового цвета. Например, прозрачные слои красного и желтого дадут оранжевый, синего и желтого — зеленый и т. д. Если один из цветов более насыщен, он в такой оптической смеси будет доминировать. Темпера, в отличие от масла, равномерно сохнет, от времени не трескается и не меняет цвета и тона. Для произведений, выполненных темперой, характерны строгость линий, яркость и бархатистость красок. 

В школьной практике широкое применение имеет гуашь (от итал. guazzo— водяная краска). Профессионально работать гуашевыми красками трудно: по высыхании они сильно меняют цвет. Эти
краски непрозрачны, относятся к разряду так называемых кроющих, корпусных. Они разводятся водой. 

Если писать гуашью без белил невозможно, то в акварели (от лат. aqua— вода) их заменяет белизна бумаги, просвечивающая сквозь слой или слои краски. Лишь акварелью можно изумительно передать безмятежную синеву небес, кружева облаков, пелену туманов. Акварель позволяет запечатлеть явления природы, длящиеся всего две-три минуты. 

В этой технике возможно и создание тщательно отработанных пейзажей и натюрмортов, портретов и исторических композиций. 

Лист белой зернистой бумаги, коробочка с плитками красок, мягкая послушная кисть, вода в небольшом сосуде — вот и все «хозяйство» акварелиста. 

Можно писать по сухой или сырой бумаге — сразу в полную силу цвета. Такой прием называется алла прима. Можно работать в многослойной технике, постепенно уточняя каждую деталь. Можно избрать смешанную технику. В любом случае нельзя или почти нельзя исправить испорченное место: акварель не выносит малейшей затертости, замученности, неясности. Прозрачность и блеск придает ей бумага,
которая должна быть белой и чистой. Белила акварелисту, как правило, не нужны. 

Еще в конце XV века выдающийся мастер немецкого Возрождения Альбрехт Дюрер одним из первых среди европейских художников создал множество великолепных акварелей. Это были пейзажи, изображения животных и растений. Но в полной мере акварель утвердилась в странах Европы сравнительно недавно — в конце XVII — начале XVIII века. Особенно прославился своими акварелями У. Тернер, певец лондонских
туманов и пенистых волн, сумрачных скал и солнечного света. 

В России прошлый век дал немало выдающихся акварелистов. К. П. Брюллов доводил листы с жанровыми сценками и пейзажами до филигранной завершенности. А. И. Иванов писал просто и легко, соединяя живой безупречный рисунок с чистыми сочными красками. 

В нашей стране, особенно в последние годы, этот вид живописи приобрел невиданную ранее популярность. 

Хотя в целом различия между живописью и графикой велики, некоторые произведения могут быть отнесены и к тому, и к другому виду изобразительного искусства. Особенно это касается акварельных и гуашевых работ. Живописное произведение можно создать обычными цветными карандашами, а графическое — любыми самыми яркими красками. Это зависит от изобразительного языка, которым художник выражает свой замысел. 

Свойства тех или иных красящих материалов настолько специфичны, до такой степени влияют на язык и стиль произведения, что по ним можно порой судить о вкусах целой эпохи. Например, пастель (от итал. pasta—тесто), представляющая собой сухие, мягкие карандаши, позволяет перекрывать один цвет другим, снимать и наносить новые цвета, втирать их пальцами или специальным инструментом и в результате достигать нежнейших, едва уловимых переходов тонов. Из-за своей непрозрачности пастельные краски
дают приглушенную матовую поверхность. 

Одна из самых известных картин, выполненных пастелью,— «Шоколадница» (1743—1745). Ее автор, швейцарский живописец Ж. Э. Лиотар, проявив виртуозное владение рисунком, утонченное чувство формы и цвета, создал редкий по обаянию женский образ. 

Девушка в белом переднике, розовом чепчике легко и грациозно несет небольшой поднос с чашкой
шоколада и стаканом воды. Легкие оттенки розового, коричневого, зеленоватого, тончайшие переходы светотени передают неуловимый трепет нежного лица, рук. Краски одежды — теплые и холодные, темные и светлые — красиво сочетаются, объединенные легкими серебристыми переливами. Почти осязаемо передана фактура ткани. 

Расцвет пастельной живописи в странах Западной Европы приходится на XVIII век. Пастелью владели в совершенстве, помимо Лиотара, такие художники, как Шарден и Латур. Но вскоре она была предана забвению: слишком уж бледна и нежна, слишком нерешительны ее линии для классицизма — стиля, стремящегося к ясной очерченности контуров, строгой определенности красок. И пастель уступила место
масляной живописи, изобретение которой приписывается нидерландскому живописцу Яну ванЭйку (ок. 1390—1441). Возрождение пастели связано с именами французских импрессионистов Э. Дега, А. Тулуз-Лотрека. Работали в этой технике русские и советские художники И. И. Левитан, В. А. Серов, М. А. Врубель, Н. К. Рерих, В. Е. Борисов-Мусатов и другие художники. 

Произведения живописи могут быть монументальными, станковыми и декоративными. 

Язык монументального произведения — язык обобщенных линий и красок: ведь фрески, панно, мозаики рассчитаны на обозрение с большого расстояния, по смыслу и по форме они связаны с архитектурой здания или с его внутренними помещениями — залом, вестибюлем, холлом и т. д. Чаще всего монументальная живопись плоскостная, пространство в ней передано условно, в основе изображения лежит графическое начало. 

Язык станкового искусства гораздо многословнее, доверительнее. Станковое произведение, как правило, рассчитано на рассмотрение с близкого расстояния. Сложны и тонки выраженные в нем чувства, переживания, настроения, разнообразны сочетания красок и их нюансы. Создается станковое произведение на мольберте, станке. 

Однако и произведения станковой живописи могут обладать чертами монументального, несмотря на свои небольшие размеры. 

Это определяется замыслом художника. Например, марийский художник Б. С. Пушков написал темперой триптих (картину, состоящую из трех частей) «Песня» (1970), передав быт и нравы своего народа. Все это показано на фоне характерного пейзажа с необозримыми далями, полноводной рекой, озерами, лесами. Пушкову было важно выразить характер марийского народа, душевную красоту и гордый дух крестьян, словно вышедших из песен и сказаний. Он стремился создать произведение собирательное по своему замыслу, торжественное и эпическое. Поэтому, не переступая границ станковой живописи, художник придал ему ярко выраженную монументальность. Триптих Пушкова можно увеличить до любых размеров,
и он не потеряет своей выразительности. Однако для станковых произведений очень большие размеры не характерны.  

Вот что писал выдающийся советский художник А. А. Дейнека: «Станковое произведение может „менять" стену, город, но мозаика, фреска, витраж имеют „точный адрес". Лишенные своего законного места, эти произведения теряют основные качества, выглядят иногда непонятно и в лучшем случае становятся экспонатами музеев.  

В основе монументально-декоративного произведения лежит единство с архитектурным пространством. Мы вправе выбирать формат своей станковой картины, статуэтки по вкусу, по подрамнику, особо не согласуя с размерами других картин. Но росписи, отвечая чувству архитектурного ритма, по своей цветовой гамме, композиционному строю и размерам изображений должны гармонировать с архитектурой. Само собой разумеется, что монументальное произведение не обязательно должно быть огромных размеров,— его размеры вытекают в основном из соображений цельности и целесообразности архитектурного ансамбля и соответствуют архитектурным масштабам. Но если монументальный образ в искусстве возможен в пределах больших по своим масштабам размеров, то жанровый или интимный образ невозможно представить в соответственно больших размерах. Трудно, например, вообразить пейзажи Левитана в саженных размерах на стенах. Их интимный, камерный характер нарушил бы логику размеров, изображение стало бы абсурдным».

 

1    2    3    4